香港芭蕾舞團登時裝舞台 延續時尚與芭蕾緣份
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Summary
踏入9月，香港正舉行為期兩周的第三屆香港時裝薈，香港芭蕾舞團獲邀在T台上演出，令舞蹈與時裝的關係再次成為焦點。 香港芭蕾舞團行政總監李易璇在專欄中指出，時尚與芭蕾的連結並非近年才出現，而是早於19世紀初已經埋下種子，並在不同年代以服裝設計、珠寶創作與舞台美學等形式持續發展。 她以1832年瑞典舞者Marie Taglioni、1924年Coco Chanel為Ballets Russes作品《Le Train Bleu》設計服裝，以及1960年代George Balanchine與Van Cleef & Arpels之間的靈感互動為例，說明兩個領域如何彼此借力。 她又提到，香港芭蕾舞團近年與國際頂級時尚品牌合作，去年更以可持續時裝為題，聯同本地設計師以回收布料和低碳染色技術製作舞衣，令舞台服裝成為環保材質的實驗媒介。
Key Points
- 第三屆香港時裝薈於9月在港舉行，活動歷時兩周，香港芭蕾舞團獲邀在T台表演，成為時裝盛事中的表演單位之一。
- 李易璇指出，1832年瑞典舞者Marie Taglioni穿上輕盈白色tulle裙，首次露出腿部並以足尖跳芭蕾，當時震撼舞界。
- 她認為，自Marie Taglioni之後，舞者的身體比例、線條與動作姿態，逐漸成為設計師觀察與轉化的美學對象。
- 1924年，Coco Chanel為Ballets Russes的《Le Train Bleu》設計服裝，該製作亦有Jean Cocteau及Pablo Picasso參與。
- 1960年代，Van Cleef & Arpels的Claude Arpels與George Balanchine因共同迷戀寶石與芭蕾而延續跨界合作，前者以芭蕾舞者作胸針靈感，後者則受珠寶啟發創作《Jewels》。
- 舞衣與高級時裝之所以容易互相吸引，李易璇的論點之一，在於兩者都對工藝精準度有極高要求。 她指出，舞衣製作成本高，不但要兼顧美感與功能，還要承受高強度動作，同時維持舞台上的優雅效果；而高端品牌或高訂時裝，同樣講究剪裁、布料與工藝的細緻程度。 正因如此，芭蕾與高級時尚品牌在合作時，往往能在審美標準與製作要求上迅速找到共同語言。
- 從歷史脈絡看，芭蕾不只是借用時裝元素來美化舞台，時裝界亦長期從舞者身體線條、動態姿勢與舞台敘事中汲取靈感。 Marie Taglioni的足尖形象改變了觀眾對舞者身體的觀看方式；Coco Chanel則把毛衣、泳裝、網球裙等休閒服飾帶上舞台，以現代服裝語言取代部分古典舞衣想像；到了Balanchine與Van Cleef & Arpels的年代，珠寶與芭蕾更進一步在概念層面互相轉化。 這些例子都顯示，時尚與芭蕾之間並非單向借鑑，而是長期互相塑造。
- 李易璇亦把視角拉回香港。她表示，香港芭蕾舞團正站在這條歷史脈絡之上，與國際頂級時尚品牌合作多個項目，延續舞團在舞台以外的跨界實踐。 去年，舞團又以可持續時裝為題，與本地設計師合作，採用回收布料及低碳染色技術製作舞衣，令服裝不只是演出配件，也成為測試環保材質與製作方法的平台。 在香港正舉辦大型時裝活動之際，這種把表演藝術、設計工藝與可持續理念結合的方向，亦為本地文化產業提供另一種合作想像。
Why It Matters
對香港讀者而言，這篇文章把香港芭蕾舞團放進一條更長的國際文化脈絡之中，說明本地藝團參與時裝活動並非點綴，而是延續一段歷史悠久的跨界傳統。 同時，舞衣製作被視為結合工藝、美學與環保技術的實驗場，也讓本地時裝設計與表演藝術之間的合作有了更具體的發展方向。